Auf Søren Berners Ruderbootfahrten begegnen sich Getriebene und Vertriebene – geflüchtete Personen sowie Bewohnerinnen und Bewohner Zugs. Beide sitzen im selben Boot und Vertriebene rudern Getriebene. Die Boote mit den Namen VOYAGER # 1 und #2 schreiben den Schriftzug SILENT CIT Y in den See. Ihre poetische Choreographie erscheint wie ein Kontrast zum schwierigen und ernsten Flüchtlingsthema.

Søren Berner (*1977). Der in Zürich und Kopenhagen wohnhafte dänische Künstler studierte Kunst an der Gerrit Rietveld Akademie in Amsterdam und lehrt an der Hochschule der Künste in Bern. Seine Arbeiten bewegen sich im Spannungsfeld zwischen bildender Kunst, Performance, Musik und Aktivismus. Seine Performances und partizipatorischen Projekte finden sowohl im öffentlichen Raum als auch in Kunstinstitutionen statt: MAK Museum of Applied Arts Vienna, 10. Istanbul Biennale, Gershwin Theater (New York), Keck Kiosk-Art Basel, W139 – Space for Contemporary Art (Amsterdam), Nikolaj Kunsthal (Copenhagen), Helmhaus (Zürich), Bündner Kunstmuseum (Chur), Cabaret Voltaire (Zürich) usw. http://www.sorenberner.com

Die Künstlerin Patricia Bucher arbeitet bei «bleibe fort» nicht mit gesellschaftlichen Fakten, vielmehr eröffnet Bucher assoziative Zwischenebenen. Ihr künstlerischer Beitrag im Park vor dem Huwilerturm besteht aus einfachen Keilzelten, auf deren Stoffen Formen und Symbole abgebildet sind. Bucher durchbricht mit ihren konkreten und abstrakten Zeichnungen kulturelle Grenzen und erzählt Geschichten der Menschheit zugleich unbefangen und konnotiert. Den BesucherInnen bleibt überlassen, ob sie beim Anblick der Textilbehausungen an humanitäres Leid, Abenteuer oder nomadische Freiheit denken.

Patricia Bucher (*1976 Aarau) lebt und arbeitet in Zürich und Berlin. Sie arbeitet konzeptuell mit verschiedenen Medien. Oft greift sie bestehende Bildsprachen, Symbole, Zeichensysteme, etc. auf, fügt sie neu zusammen oder erweitert sie.  So evozieren ihre Werke Inhaltlichkeit, ohne dass diese jedoch eindeutig lesbar sind. http://www.patriciabucher.de

Die Wörter Liberté, Egalité und Fraternité auf Florian Graf’s Wegweiser symbolisieren die Grundlagen unserer heutigen Verfassung und Demokratie. Mit diesem Werk hinterfragt Graf das Ideal der französischen Revolution und der Aufklärung. Es soll zu Gedanken über mögliche Interpretationen und Umsetzungen dieser Schlagworte in unserer Gegenwart anregen: Die Freiheit führt zur Autobahn. Das Wort Auto kommt aus dem Griechischen und bedeutet “selbst, persönlich, allein, für sich selbst” und wurde zum Inbegriff unserer Autonomie- und Freiheitsvorstellung. Die Gleichheit weist zur historischen Sehenswürdigkeit, wo man Vergangenes bestaunt oder als Tourist interessiert betrachten kann. Die Brüderlichkeit ist lokal angesiedelt, sie befindet sich in nächster Nähe. Florian Graf’s Kunst ist erneut richtungsweisend…

Florian Graf (*1980 in Basel) lebt wo er arbeitet und umgekehrt. Seine künstlerische Arbeit befasst sich mit sichtbaren und unsichtbaren Systemen, die das alltägliche Leben bestimmen, oder untersucht, wie intime und kollektive Gedankengebilde sich in gebauten Strukturen niederschlagen. Vor allem architektonischen und sozialen Situationen und deren gegenseitiger Wechselwirkung gilt seine Aufmerksamkeit. Für seine Skulpturen, Installationen, Zeichnungen und Filme wurde er international mehrfach ausgezeichnet. http://www.floriangraf.ch

Der Zuger Künstler Samuel Haettenschweiler spricht mit seiner Arbeit «The Early Bird catches the Worm» ein Tabuthema an: Den Kampf um Leben und Tod, den manche Flüchtlinge auf ihrem Weg nach Europa durchleben müssen. Haettenschweiler zeigt ein Vogelhaus, das von der Darstellung einer biblischen Verkündigungsszene aus einem Freskenbild des italienischen Malers Giotto di Bondone inspiriert ist. Direkt in dieses tempelartige Vogelhaus führt eine Katzenleiter. Das Vogelhaus steht als Denkmal für die Hilflosigkeit der westlichen Gesellschaft gegenüber aktuellen Flüchtlingsdramen und konfrontiert die BesucherInnen mit Tugend- und Moralvorstellungen, wie es die Kunst in der Renaissance auch tat.

Samuel Haettenschweiler (*1976 Zug) lebt und arbeitet in Zürich. Studium in Zürich und Berlin. Seine malerischen und installativen Werke bewegen sich in einem Wechselspiel zwischen Individualität und Gesellschaft, Irrtum und Perfektion, Ordnung und Unordnung. Seine Arbeit ist eine subversive Geste. Indem er Gesetzmässigkeiten im sozialen, kulturellen und politischen Raum dekonstruiert und so Realitäten sichtbar macht. 2012 schafft er mit der Installation «L’invisible» mithilfe von Bauvisieren eine architektonische Skulptur im Zugersee; eine Kritik am Demokratiedefizit von privatisiertem öffentlichem Raum.

Das Zuger Künstlerteam Hoffnung+Kiwi (Severin Hofer, Michel Kiwic) erweitert für zwei Monate einen öffentlichen Parkplatz um einen Gemüsegarten und stellt diesen Autofahrern gratis zur Verfügung. Damit soll ein Diskurs über die Tragik der Allmende geführt werden: Ein sozialwissenschaftliches Modell, nach dem frei verfügbare, aber begrenzte Ressourcen nicht effizient genutzt werden und durch Übernutzung bedroht sind, was auch die Nutzer selbst bedroht. Ein weiterer Aspekt ist der Gegensatz zwischen Rast und Rastlosigkeit. Der Automobilist parkt mit der Absicht, sein Auto ruhen zu lassen, die Pflanzen ihrerseits wachsen und symbolisieren somit eine permanente Vorwärtsbewegung.

Severin Hofer (1994) und Michel Kiwic (1984) leben und arbeiten im Kanton Zug. Sie sind verwandt zweiten Grades und gründeten an ihrem letzten Familientreffen das Künstlerduo «Hoffnung+Kiwi». In ihrer Arbeit kombinieren sie ungebändigte Neugierde, schlecht recherchiertes Halbwissen und ungebändigten, kindlichen Humor. Wenn möglich binden sie Freunde und Verwandte über soziale Medien ein und passen ihre Projekte bei Gutdünken an. Es geht ihnen nicht um das Schaffen materieller oder gar dekorativer Güter, sondern um die Wahrnehmung ihrer Ideen und der Umsetzung zum Erleben. «Hoffnung+Kiwi» sind eine unerwartete und vielversprechend Neuerscheinung in der Zuger Kunstszene. http://www.michelkiwic.ch; Hoffnung&Kiwi auf Facebook

Während «Ohne Rast» kann man sich für einen Tag Zuflucht in der Festung mit Aussicht erkaufen. Die Zuflucht ermöglicht den Rückzug in einen privaten Raum des individuellen Transitorischen Museums. Die Besucherin / der Besucher verzichtet auf jegliche Form von elektronischen Kommunikationsgeräten und Kameras, die einen Kontakt zur Aussenwelt herstellen oder den Aufenthalt dokumentieren können. Es gibt nur einen Flüchtigen pro Tag und jeder Besucher hinterlässt einen Tagebucheintrag.

Reto Müller (*1974) und Alex Meszmer (*1968) leben und arbeiten als Künstlerpaar in Pfyn TG, Schweiz. Seit 2006 arbeiten sie an Kunstprojekten im öffentlichen Raum, einem digitalen Archiv über die Geschichte und Geschichten von Pfyn, gründeten ein Museum und erklärten Pfyn zur Kulturhauptstadt der Schweiz 2011-12. Für ihre künstlerische Arbeit an einer Encyclopaedie der unbestimmten Einzelheiten verwenden sie Möbel, Objekte und Bibelillustrationen als Ausgangspunkt für Bilder und Installationen; mit dem club désirer suchen sie weltweit nach der Schönheit der Demokratie. http://www.meszmermueller.ch

Hohe Erwartungen begleiten uns tagtäglich, doch es stellt sich die Frage, wie lange unsere Gesellschaft, die immer häufiger mit Erschöpfung zu kämpfen hat, diesem Druck standhalten kann. Mit einem Bild der Auszeit und Kontemplation reagiert der Künstler Aldo Mozzini auf die Stressphänomene der heutigen Zeit: Die Installation «Pièce de Réistance» besteht aus künstlichen Pflanzen, die es mit dem fliessenden Wasser im Burgbach aufnehmen. Ungewiss bleibt, wie lange dieser Zustand andauern wird und die Pflanzen dem Strom widerstehen. Die Betrachtenden werden dadurch aufgefordert, immer wieder nachzuschauen, ob sich etwas verändert hat.

Aldo Mozzinis (*1956) Werke – seien es Objekte, Installationen oder auch fotografische Serien – handeln  oft von urbanen Situationen und städtebaulichen Thematiken. Er bevorzugt diejenigen Interventionen, die durch Einfügen eines Fremdkörpers, in einen gegebenen Kontext eingreifen. Die mit unprätenziösen Materialien erstellten raumhaften Skulpturen reagieren auf die Gegebenheiten und versuchen, diese in ihrer Wirkung/ Erscheinung zu verändern. Er bedient sich der Bescheidenheit der Materialien und vor allem auch der leicht skurrilen Poesie, welche mit einfachen Materialien in einem alltäglichen Kontext generiert werden kann, um dadurch komplexe Sachlagen zu rekonstruieren, zu karikieren und damit zu kommentieren. Die entstehende Irritation ist nicht Selbstzweck, sondern ein Hinweis der Befragung der materiellen Wirklichkeit die uns umgibt, uns beeinflusst und uns bestimmt. Seine Arbeiten bauen stets auf die primären Erfahrungen des menschlichen Seins, des Körpers, der Räume und der Dinge auf. Sein Blick ist weder bejahend noch berechnend oder zynisch. Es geht ihm vielmehr um eine kritische Reflexion der Gegenwart mit Humor und Selbstironie. Diese Reflexion mündet in Werken, die durch ihre Fragilität und Instabilität ganz sanft Gemeinplätze zum Wanken bringen. http://aldo.mozzini.ch

Hoch in der Luft zwischen zwei Bäumen hängt die überdimensionale Toastbrotscheibe der Basler Künstlerin Nadja Solari. Das Gebäck symbolisiert unsere Schnelllebigkeit und die Hoch- und Populärkultur. Die Vergänglichkeit des Objekts, indem es von Vögeln gegessen wird oder langsam zerfällt, verweist auf Fragen der Nachhaltigkeit in Bezug auf Produktionsfaktoren und auf unsere Essgewohnheiten, die auf unsere Lebensformen zurückzuführen sind.

Nadja Solari lebt und arbeitet in Basel. Sie erhielt mehrere Stipendien sowie Atelier-Residenzen wie z.B. das GCC Gyeonggi Korea, iaab für Tokio und Rotterdam, das Pro Helvetia Studio Kairo. Die Künstlerin interessiert sich für die sozialen und kulturellen Zusammenhänge, in denen wir uns bewegen. Wo sie Widersprüche einer Gesellschaft findet, reinterpretiert sie diese zu Abstraktionen des Alltäglichen. Ihre installativen Arbeiten sind oft prozesshaft angelegt und kombinieren das Humorvolle mit dem Gegensätzlichen.

Ein (Innen-/Aussen-) Raum, ein Thema, eine Gruppe von Menschen. Das in Zürich und Berlin tätige Kollektiv We, You & Me organisiert Private & Public Lectures in verschiedenen Städten, in welchen Ausstellungen besprochen, Filme geschaut, Musik gehört oder gemeinsam Texte gelesen und Themen wie Inspiration, Passion, Modernität oder Passivität verhandelt werden. Das Format dieser Lectures versteht sich als Versuchsgelände, um bestehende Strukturen zu hinterfragen und diese aufzubrechen. Alle Teilnehmenden der Lectures sind in ihrem individuellen Gebiet ExpertInnen, Hierarchien werden abgelehnt. Vielmehr geht es darum einen transformativen Vermittlungsbegriff zu denken, der zeitgenössisches Lernen fokussiert.

We, You & Me ( *1985 Corinna Holbein, Künstlerin und Ausstellungsmacherin *1982 Hannah Horst Grafikerin und Ausstellungsmacherin)  ist ein Kollektiv und eine gemeinsame Plattform die Ausstellungen, Pop-up Lectures und Workshops kuratiert und konzipiert. Das Kollektiv agiert als Agentur für soziale Dialoge und gestaltet Raum für experimentelle und interdisziplinäre Praktiken und Projekte. Interessiert sind wir an kollektiver Produktion weniger an individueller Autorenschaft. Mit den Pop-up Lectures forcieren wir Gespräche und Interaktionen. Wir lehnen Hierarchien ab und versuchen so temporäre Gemeinschaften anders zu denken.

www.weyoume.ch

Mit einer afghanischen Boxkamera erkundet der Fotograf Oliver Zenklusen die Stadt Zug und macht an verschiedenen Standorten Sofortporträts von Zugerinnen und Zugern. Diese Bilder erscheinen aber nicht innert Millisekunden, wie auf unseren Handys, sondern sind Unikate auf Silbergelatine-Papier und entstehen durch längeres Stillhalten. Wie ein Strassenfotograf aus einem entfernten Land macht Zenklusen entschleunigte Bilder aus der Stadt von heute, die aussehen wie aus den Fotoalben unserer Urgrosseltern.

Oliver Zenklusen (Ilford/UK, 1971) betreibt in Zürich das Atelier "les délices du chaos", mobiles Portraitstudio, Labor für fotografische Stadtforschung, Werkstatt fuer handgemachte Drucke, Bücher und alte Fototechniken. Die meisten Projekte von Oliver Zenklusen sind Experimente mit Fotografie, Zeit und Erinnerung.

www.lesdelicesduchaos.ch

In der «Allgemeinen Getriebenheitsberuhigung» mit Thomas Zollinger wird mitten in der Stadt Zug an Einem für den Durchgangsverkehr sichtbaren Ort gerastet. Sichgetriebenfühlende und Woandersvertriebene treffen sich für ein performatives Statement des entschleunigten Daseins. Vielleicht entstehen aus den unverhofften Begegnungen neue Kontakte.

Thomas Zollinger (*1952) lebt in Biel. Seine Arbeiten betreffen seit 1994 partizipative und performative Inszenierungen des menschlichen Körpers, ohne Objekte, Requisiten, „Material", oft mit Gruppen bis zu 30 Personen und im Stadtraum. Sein Fokus liegt auf situationsbezogenen Performances des Gehens und des Stehens, ab 2006 zunehmend auch im Ausland (arte.tv, Linz Kulturhauptstadt, Manifesta8, Zagreb). Er bearbeitet gerne exponierte Fragestellungen wie die Stellung des nackten Körpers im Stadtraum oder Tempo versus Langsamkeit.

Die Video-Künstler Martin Riesen und Lukas Meier thematisieren in ihrer Arbeit «Wandel der Zeit» die Ein- und Auswanderungen im Kanton Zug über mehrere Jahrzehnte hinweg. Die ins Video verarbeiteten statistischen Daten zeigen auf, wie sich Zug entwickelt hat und woher die Menschen stammen, aber nicht, was die Gründe ihrer Ein- und Auswanderungen sind. Das Video wird täglich nach dem Eindunkeln an das Schaufenster der Zwischennutzung Kolinplatz 21 projiziert.